Paris Photo est avant tout un grand rendez-vous du marché de la photographie. Galeries, artistes, grandes agences et collectionneurs s’y retrouvent pour présenter des œuvres où la photographie prend parfois la dimension d’un véritable objet d’art. Cette année, la 29e édition s’inscrivait en plus dans un moment symbolique : le Bicentenaire de la photographie, avec près de 250 exposants venus de 38 pays sous la verrière du Grand Palais.

J’y ai découvert de belles expositions, des regards singuliers, des approches originales et des tendances intéressantes. De quoi nourrir sa curiosité et ouvrir quelques perspectives. Mais je dois avouer être ressorti un peu partagé. J’y ai parfois cherché une photographie plus directe, plus accessible, moins pensée comme une œuvre à exposer. Celle qui raconte une histoire, saisit un instant, témoigne d’une époque ou simplement capture un morceau de vie.

Voici, en images, ce que j’en ai rapporté.

Sous la verrière, la première photo est déjà là

Avant même les cimaises, il y a le Grand Palais. La lumière de novembre tombe de la verrière, découpe les arcs vert d’eau et projette sur les murs blancs des ombres de ferronnerie qu’aucune galerie n’aurait pu accrocher. On vient voir des photographies, et c’est le bâtiment qui en offre les premières.

Les arcs de la nef et leurs ombres portées, côté galeries de l’étage.

Vu des balcons, la foire ressemble à une maquette : un quadrillage de cubes blancs, éclairés par le dessus, où circulent des silhouettes minuscules. Une image presque abstraite de ce qu’est Paris Photo : un marché parfaitement ordonné, compartimenté, stand après stand.

Une pause sur un balcon. En contrebas, le labyrinthe blanc des stands.

À l’étage, sous les grandes arcades, le secteur des éditeurs aligne ses tables de livres. C’est sans doute là que la photographie m’a semblé la plus proche de son public : on feuillette, on discute, on repart avec un livre sous le bras.

Le secteur des éditeurs sous les arcades du premier étage.

Buenos Aires, 1936 : la modernité en noir et blanc

Premier coup de cœur : un mur consacré à Horacio Coppola et Grete Stern. Le couple, formé au Bauhaus, s’installe à Buenos Aires en 1935 après la fermeture de l’école par les nazis. L’affiche « Fotos H. Coppola y G. Stern » rappelle leur exposition organisée dans les locaux de la revue Sur, souvent présentée comme la première exposition de photographie moderne en Argentine.

Autour, des tirages de Buenos Aires vue d’en haut, des façades, des avenues en plongée, l’Obélisque, et deux livres exposés comme des reliques : le fameux Buenos Aires 1936 à reliure spirale et Historia de la calle Corrientes. Une photographie qui documente une ville et, en même temps, invente une manière de la regarder. Exactement le genre d’images où le témoignage et la forme ne s’opposent pas.

Horacio Coppola et Grete Stern : tirages, affiche et livres autour de Buenos Aires.

Devant un mur de tirages noir et blanc, le temps de se pencher.

Ricardo Martinez Paz : les nuits de Paris en diapositives

C’est probablement le stand le plus coloré. Ricardo Martinez Paz a photographié pendant des années la vie nocturne parisienne : cabarets, fêtes, travestis, défilés, figures de la nuit.

Sur un grand mur rouge, des tirages couleur saturés au flash. Et à côté, un mur entier de diapositives d’origine, encore dans leurs caches : tampons « KIPA, 12 rue Martel, 75010 Paris », mentions « Copyright R. Martinez-Paz / Kipa », caches Kodachrome, Laboratoires Pichonnier. Tout le circuit d’une photo d’agence est là, visible.

Le mur rouge des nuits parisiennes, et ses spectateurs.

Le mur de diapositives : tampons d’agence, caches Kodachrome, mentions de copyright.

C’est là que ma question du jour a pris corps. Ces images ont été faites pour être diffusées, vendues à la presse, publiées puis oubliées. Les voici devenues archives, puis œuvres. Le geste du reporter est le même ; c’est le contexte qui a changé leur statut. Et paradoxalement, c’est la diapositive brute, avec ses tampons et son numéro de téléphone d’agence, qui raconte le mieux l’histoire.

Ricardo Cases : le menuisier qui fait la sieste

Dans le secteur Emergence, la galerie Reus (Palma) présente Ricardo Cases et une série simple et très juste : un menuisier photographié dans son atelier, pendant ses siestes, sur plusieurs mois. Chaque tirage porte sa date en espagnol, du 12 juillet 2022 au 23 février 2023.

La sciure, les établis, la lumière des fenêtres, un corps allongé sur une table ou au sol. Rien de spectaculaire, et pourtant tout y est : le temps qui passe, la répétition, les gestes du quotidien. Une photographie de vie, sans artifice, qui n’a pas besoin d’un long texte pour exister.

Ricardo Cases, l’atelier et ses siestes, daté jour après jour.

François Halard : « Conversation avec Claude (Monet) not IA »

Le clin d’œil est écrit à la main, au-dessus des tirages : « Conversation avec Claude (Monet) not IA ». Présenté par Ruttkowski;68, François Halard expose des Polaroïds réalisés dans le jardin de Monet à Giverny, agrandis puis rehaussés à la main : pavots, dahlias, taches de couleur qui coulent sur le blanc du cadre.

On est ici à l’opposé de la photographie de témoignage : l’image devient matière, presque peinture. Mais la pirouette du titre, en pleine époque d’images générées, fait sourire. Et pour moi qui vit dans la boucle de Seine, sur les traces des impressionnistes, le dialogue avec Monet ne laisse pas indifférent.

François Halard, Polaroïds de Giverny agrandis et peints.

Glamour et clair-obscur

Autre registre, celui de la photographie de mode : jambes, talons, sacs surgissant de l’ombre dans des cadres blancs, avec une esthétique très années 1990-2000. Cet univers rappelle fortement le travail de Donna Trope, présentée en solo par la galerie Carole Lambert cette année. La lumière rasante du Grand Palais a fait le reste.

Fashion et clair-obscur, avec une ombre en prime.

Séries, grilles et accumulations

S’il fallait retenir une tendance, ce serait celle-ci : la grille. Des nuages et des avions anciens organisés en planches, des dizaines de petits tirages noir et blanc assemblés en mur, des séries couleur accrochées en ligne. L’image isolée cède souvent la place à l’accumulation, à l’installation.

C’est beau, souvent très maîtrisé. Mais c’est aussi là que j’ai senti la distance : on ne regarde plus une photo, on regarde un ensemble, un dispositif, un objet pensé pour le mur et pour le collectionneur.

Ciels, nuages et biplans organisés en planches.

Un mur de petits tirages noir et blanc, et une conversation devant.

Petits formats couleur, regard attentif.

Le reportage, le portrait et le mouvement

Heureusement, la photographie de rue et de reportage reste bien présente. Un mur de tirages noir et blanc des années 1950, entre Moscou, la Chine et Rome, dans la grande tradition du reportage humaniste. Plus loin, une série couleur new-yorkaise des années 1970, avec ces passants pris dans la lumière dure entre les buildings.

Devant ces murs, j’ai fait ce que je fais d’habitude : photographier le mouvement. Une pose un peu longue, des visiteurs qui deviennent flous, et les images fixes derrière eux. Une manière de rappeler que, dans une foire, ce sont aussi les regardeurs qui font l’image.

Reportage des années 1950, et visiteurs de passage.

Couleur franche au mur, visiteurs en mouvement.

New York en couleur, et le public de Paris Photo.

Un grand portrait noir et blanc à la chambre, regardé de très près.

Cadres orange et smartphone : on photographie aussi les photographies.

En sortant

Une expérience enrichissante. J’ai vu des œuvres fortes, des archives passionnantes, des démarches que je n’aurais jamais croisées ailleurs. Mais en sortant, une question me restait : où est la place de la photographie directe, celle qui saisit un instant, raconte une histoire, témoigne d’une époque ?

Elle est là, en réalité, mais souvent reformulée en objet de collection : la diapositive d’agence devient pièce unique, le reportage devient tirage d’époque encadré, la série devient installation. Le marché a ses codes, et Paris Photo en est la vitrine.

Sans doute une question de regard et de sensibilité. Je ne suis pas certain d’avoir trouvé ma place dans cet univers. Mais j’en repars avec des images plein la tête, et l’envie, plus que jamais, de continuer à photographier la vie telle qu’elle passe.