Il y a une expression qui revient de plus en plus souvent dans les discussions sur la photographie de rue, et je la retrouve partout, dans les commentaires, dans les portfolios qu’on m’envoie, dans les conversations entre photographes : la « photographie agressive ».

On l’emploie en général pour décrire un photographe qui travaille très près, au flash, qui entre physiquement dans la scène au lieu de chercher à se faire oublier. On dit alors qu’il a une « approche agressive ». Parfois carrément qu’il fait de la « street photography agressive », comme si c’était une catégorie à part entière.

Cette expression me dérange depuis longtemps. Pas parce que je voudrais défendre tout ce qui se fait dans la rue — certaines choses sont indéfendables, on y reviendra. Elle me dérange parce qu’elle mélange deux choses qui n’ont rien à faire ensemble : la manière de photographier et la manière de se comporter.

Une photographie peut être frontale, brutale visuellement, prise à vingt centimètres d’un visage, au flash, et produire une tension énorme. D’accord. Mais l’agression, elle commence où, exactement ? Dans la distance ? Dans le flash ? Dans le simple fait d’être vu ? Ou dans le comportement de celui qui tient l’appareil ?

Pour moi la réponse est dans la dernière question.

Un flash n’agresse personne à lui seul

Prenons l’exemple que tout le monde attend : Bruce Gilden. Son nom sort presque à chaque fois qu’on parle de photographie « agressive ». Magnum décrit son travail par ses gros plans au flash, ce fameux style confrontational devenu sa signature. Lui-même résume ça beaucoup plus simplement : il photographie très près, et avec l’âge, dit-il, il se rapproche encore.

Ce qui m’intéresse, c’est le glissement de vocabulaire. En anglais, confrontational. Dans nos discussions, ça devient « agressif ». Ce n’est pas le même mot, et ce n’est pas le même reproche. Confronter le spectateur à un visage, ce n’est pas agresser ce visage. Être proche, ce n’est pas être violent. Le flash, le grand-angle, la proximité : ce sont des procédés. Un procédé n’a pas de morale. Celui qui l’utilise, si.

On peut être violent avec un 200 mm

C’est là que notre vocabulaire devient franchement absurde. Un photographe peut travailler au 28 mm, s’approcher à cinquante centimètres, être parfaitement visible, déclencher, sourire et continuer son chemin sans avoir humilié personne. Un autre peut rester à cinquante mètres avec un téléobjectif, bien caché, photographier quelqu’un dans une situation de grande vulnérabilité, puis publier l’image sans une seconde de considération pour cette personne.

Lequel des deux est « agressif » ? Celui qui était proche ? Permettez-moi d’en douter.

Nous avons fini par confondre distance physique et distance morale : plus près, plus intrusif ; plus loin, plus respectueux. Je ne crois pas du tout à cette équation. La distance entre un photographe et son sujet se mesure en mètres. Le respect, non.

Le problème commence avec le photographe

Un être humain peut être agressif, évidemment. Une insistance peut le devenir. Refuser d’entendre quelqu’un qui vous demande d’arrêter, humilier une personne pour obtenir une image, provoquer volontairement la peur ou la colère d’un inconnu juste pour fabriquer quelque chose de spectaculaire — là oui, on est dans un vrai problème éthique. Mais dans tous ces cas, ce n’est pas la photographie qui est agressive. C’est le photographe.

Et cette distinction compte, parce que les mots finissent par construire notre façon de penser. À force de parler de « photographie agressive », on risque d’en faire un genre, presque une esthétique — et certains finissent effectivement par cultiver l’agressivité comme si c’était une qualité visuelle. Dire « mon style est agressif », c’est souvent transformer un défaut de comportement en déclaration artistique. Comme si le fait de tenir un Leica ou un Ricoh donnait soudain une dignité esthétique à une attitude qu’on trouverait déplacée partout ailleurs. Non. L’appareil photo n’accorde aucun privilège moral.

L’histoire de la photographie complique pourtant les choses

On va me répondre : et Winogrand ? Dans un entretien de 1977 conservé par le SFMOMA sous le titre I Am a Photographer of Attack, il se décrivait lui-même comme un photographe actif, positif, « aggressive ». Donc même Winogrand revendiquait ce mot.

Justement. C’est là que ça devient intéressant. Chez lui, ce mot désigne une énergie — une façon d’entrer dans le réel au lieu d’attendre que le monde organise la photographie à votre place. Son œuvre est pleine de mouvement, de déséquilibre, d’accidents, d’une Amérique qui semble parfois vouloir sortir du cadre ; le SFMOMA en parle comme d’un immense portrait de la vie américaine d’après-guerre, entre promesses et instabilité. Cette énergie-là, je la comprends, je l’admire même. Mais une énergie photographique ne doit jamais devenir une justification comportementale. Une image peut être agressive dans sa construction — contrastes durs, cadrage brutal, flash frontal, composition instable. Le jour où « l’agressivité du photographe » devient une méthode, on ne parle plus d’esthétique. On parle du rapport entre deux êtres humains.

La photographie de rue n’a pas besoin de héros

Il y a parfois dans ce milieu une drôle de fascination pour le courage. Moi je m’approche. Moi je photographie à trente centimètres. Moi je mets le flash dans le visage. Moi je n’ai peur de personne. Très bien — mais depuis quand la valeur d’une photographie se mesure-t-elle au risque pris pour la faire ? Je peux photographier quelqu’un à dix centimètres et produire une image parfaitement vide. Je peux rester à dix mètres et faire une photographie qui restera. La proximité n’est pas une valeur en soi. Le courage non plus, ni le flash, ni le grand-angle. Ce sont des outils. Ce qui compte, c’est ce qu’on a vu, ce qu’on a compris, et ce qu’on a réussi à mettre dans le cadre.

Photographier quelqu’un, c’est déjà exercer un pouvoir

Attention à ne pas tomber dans l’excès inverse et présenter la photographie de rue comme une activité innocente. Une caméra change une situation, toujours. Susan Meiselas a beaucoup insisté, dans sa pratique comme dans son enseignement, sur la relation construite avec les personnes photographiées — Magnum présente cet aspect comme central chez elle. Et la question est réelle : quand je photographie quelqu’un, c’est moi qui décide du moment, du cadre, de ce qui reste et de ce qui disparaît, et très souvent de ce qui sera publié. Le sujet, lui, n’a presque jamais ce pouvoir. Cette asymétrie devrait nous rendre plus conscients — pas forcément plus timides. Je ne crois pas que la solution soit de photographier de loin, ni de demander une autorisation avant chaque déclenchement : ce serait nier une partie fondamentale du langage de la photographie de rue. Je crois simplement qu’il faut savoir pourquoi on est là. Et jusqu’où on est prêt à aller pour une image.

Il m’arrive de photographier très près

Je ne dis pas tout cela d’une position confortable, en surplomb. Il m’arrive de photographier très près. Il m’arrive de vouloir entrer dans une scène plutôt que de l’observer. Certaines photographies n’existent que parce qu’on accepte cette proximité. Mais je refuse de l’appeler agression, et surtout d’en faire une fierté. Je préfère parler de photographie directe, frontale, de proximité, de confrontation visuelle, d’immersion, de photographie physique si on veut. Ces mots décrivent quelque chose de photographique. « Agressif » décrit d’abord une attitude humaine. La nuance a l’air petite. Elle ne l’est pas.

Notre caractère doit nourrir notre regard, pas justifier nos comportements

Bien sûr que notre personnalité entre dans nos images — on ne peut pas l’empêcher. Un timide et un grand bavard ne traverseront jamais une rue de la même façon, ne verront pas les mêmes choses, ne déclencheront pas au même moment. Nos peurs, notre éducation, notre colère, notre tendresse : tout finit quelque part dans nos photographies. Mais le caractère n’est pas une excuse. « Je suis comme ça » n’est pas une théorie photographique. « Mon style est agressif » non plus.

Que celui qui veut travailler près travaille près. Que celui qui veut du flash en plein jour l’utilise. Que ses images soient inconfortables, tendues, difficiles à regarder, tant mieux si c’est ce qu’il cherche à dire. Mais qu’il sache distinguer la force d’une photographie de la brutalité d’un comportement. Une grande image peut déranger sans que personne n’ait été agressé. Elle peut être violente sans que son auteur le soit. Elle peut nous mettre mal à l’aise sans avoir humilié qui que ce soit.

C’est peut-être ça, au fond, la maturité photographique : comprendre que la force d’une image ne vient pas de la force qu’on exerce sur les autres. La rue n’est pas un ring. Le passant n’est pas un adversaire. L’appareil photo n’est pas une arme — c’est une manière de regarder. Ce qu’on fait de ce regard, en revanche, nous appartient.

Nijat Kazimov
Fondateur de Street Photography France

Masterclass de photographie de rue à Lyon

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